自那时起精神病患者的作品被视为一种新的艺术形式,他画的房子澳门新葡新京网址.这里是他最后生活的地方.
2020-01-16 

  生命的颜色是什么色

澳门新葡新京网址 1

改革开放以来,中国在经历一个从农村到城市的巨大人口流动潮,城市化速度逐步加快。政治经济发展的极为不平衡,城乡之间的巨大差异,导致人口流动和农民大量从农村流入城市。同时,科技在全球的迅猛发展,互联网以及无线通讯等各种传媒在中国城市的广泛应用,从1997年中国出现第一家上网服务公司到目前超过一亿多的网民,网络的互动性特点提供了即时交流的平台,世界在变成地球村。传统媒体如报纸等虽然有陷入困境的现象,但是一些关注草根生存的平民媒体却获得了飞速的发展。媒体逐渐显示出影响和干预社会生活的活力。在这样急剧的变革进程中,由于旧体制在财产(集体所有制)、户籍、就业、社会保障等方面的城乡之间的制度性差异,城市农民人口的大量增加,在大中城市出现了大量的候鸟型的人群,即家庭留在农村,而长期在城市工作,或者家庭虽然已经由农村迁到城市,但是并没有获得城市市民身份的认可。虽然新的制度在逐步解决这些问题,但是这样的人群在城市依然不免被边缘化。

一直以来,我是一个不懂艺术的人。所以每次有人问我喜欢哪个画家,就总是说的同一个名字----文森特梵高,但是其实我很不好意思,因为喜欢梵高的人太多了。他的向日葵,他的阿尔的星空,他的自画像等等,这成了一个稍微知道点绘画知识的人的基本常识。没有什么特别的, 而我不是个纯粹的鉴赏者,也不是为了附庸风雅,我不过是一个平凡的女子,一定要说喜欢的理由,我想我是喜欢他骨子里面绝望而孤独.我理解那种不被认可的痛苦.我爱上他的画里面的沉重而浓咧的色彩,如同他对这个世界的爱,悲凉的爱.所以一直想去他的墓地看,旅欧三年,已经对景点没有兴趣,喜欢自己去一些小地方, 那天郊区火车开的并不快,车窗外风景很清晰,已经开始有一点点的小雨,零星地落在车窗上面.下车后,发现奥瓦兹河沿岸的风景非常漂亮,河里有很多鸭子.河中间有个美丽的小岛,岛上有很多绿色的垂柳.还有不少法国人在河里划船,走过废弃的火车头,景色一变,忽然明媚起来,小山丘上面开满了红色的花朵, 满山满野,非常艳丽.好像是罂束花-----这个传说中有着最妖艳的色彩,最毒的果实的花.满山遍野都是盛开着红色的花朵,像一团鲜艳的火,是那种放荡的红色,有着说不出的诱惑. 雨终于小了下来. 到达了Auvert sur-Oise,天也非常合作的放晴了.这是一个宁静的小镇,家家有花,沿途的景色极为漂亮,墙上有很多蜗牛,几乎处处都可以入画.建筑都很有味道.有条铺满紫花的小径,有面盛开献花的灰墙。

  是绿色的吗

文森特的眼睛碧蓝如洗,他的凝视敏锐而犀利。他既不理智也不疯狂,他只是一个勇敢而诚实的人在向我们诉说着什么。《割耳后的自画像》文森特凡高,于1889年。

这一巨大变革在带来经济的繁荣的同时,也带来了文化上的严重错位、代际冲突、精神压力和贫困化群体的出现。几乎所有生活在这个时代的人们不得不在短时间内经历种种制度、思想意识与文化的变革。女性流动人口作为一个重要的社会因素,她们在城市所遭遇的生存、婚姻以及自我认识与社会对外来女性角色问题同女性期望之间的差异而产生的心理裂变,城乡之间女性的差异在不断的扩大,城市生活对外来女性在爱情、婚姻观念的深刻影响,构成当代女性生活的尴尬处境。

这个小镇零星散落了凡高身前的生活片断,他画的上吊人之家,他画的房子.这里是他最后生活的地方. 我想像着他拿着画架,光着头走过大街。有着几乎疯狂的眼睛。想像着他望着女人时的几乎贪婪的神情。想像着他破烂的衣衫和他拖沓的总是脏兮兮的脸。想像着满脸没有一点男人的傲气只不过像只卑微的蚂蚁似的与邻人说话。心里一阵酸楚. 然而这就是命运吧。你无法去责备高更最后用那么恶毒的语言去伤害他。你无法责备女人们多对他躲避不及,你也无法去责备连他的父亲都对他忍无可忍。如果上天让他成为文森特梵高,就不会赐与他被人爱的天份。没有人爱他,然而他却依旧执著爱着我们和我们所构造的这个所谓世界。他曾经那样躁动不安的灵魂是如何感动了后来的人.那样疯狂的色彩, 强烈而扭曲的形象,展示的却是绝望,痴迷.让我想起.大家知道在巴黎很多学习艺术的,音乐,绘画,设计.也许有的人一生都不会画出一副好画,写出一首名曲,但是如果那是自己喜欢的事情,再大的代价又何妨.那些为了梦想而宁愿潦倒一生的人,我深深地尊敬他们.这份尊敬和震动其实与其说是旅行见闻,不如说是来自巴黎生活的体验.也许我们都是异乡的流浪者,我们都在漂泊和停驻.狂欢-----不过是一群人的孤单.然后我们到达了凡高纪念馆,里面有一些展览.是以前居民的用品,当然还有一些凡高的作品介绍.

  在太阳落山的时候

在艺术世界里,精神病不再是一种不可理喻或是令人轻贱的状态,反而是一种常态,甚至是一种积极的、有益的经历。现代艺术界甚至认为患有精神疾病是一种创造性的冒险经历。这种疯狂的现代主义精神源自于凡高,自那时起精神病患者的作品被视为一种新的艺术形式。然而,精神病艺术的历史其实可以回溯到更远的年代。阿尔布雷特丢勒早在文艺复兴时期就把天才比作忧郁症患者,把浪漫的画家比作疯子。

正是在这样的背景下,郝丽的对自我生存环境和状态的描绘的绘画为我们提供了一个当代边缘女性生活的情景写照。因其是从女性的自我出发,我们从她的作品中所看到的不是前卫艺术那种实验与探索的形式,而是基于自恋和乡情的抒写,这就构成她的绘画的抒情基调;时代的急剧变化、个人生活状态的不确定、生存的压力与无尽的欲望,在她看似漫不经心的抒写中或多或少的流露出来,又构成她作品的另一个特点手段的表现性,应和了中国在急剧变革中所张扬的生猛的活力。

然后我们就到底一个城堡,这是一个1640年的意大利人建的城堡.里面有新人在结婚,典型的法国婚礼,穿着华丽的服装站在美丽的城堡前,宛若梦境。

  凡高在追寻一抹黄色

也许不难看出为什么画家总是对社会上称为病态的事物产生同情:所有的创造都是非理性的历程。自己走出去重新看世界的想法似乎可追溯到火炬照耀下的岩画创作。此外,古希腊哲学家柏拉图写下诗意的狂喜是神圣真理的唯一来源时也有同样的表达。柏拉图说:疯狂是诸神的恩赐。

我们可以这样认为:尽管中华文化具有抒情的传统,但在绘画领域中的抒情与表现性却少有充分直接的表达,而更多的是借喻。比如郑所南的兰草、八大的鸟、郑板桥的竹。他们的情更多源于更大的背景,关乎民族和文化等因素。而从生命本体出发的情,古往今来则属罕见。这可能与占主流的儒家文化中克己思想有关,另一方面,传统绘画中较强的规范性和图式性对绘画自身的束缚使它不长于直接表达。源自西方的油画则在十九世纪末经由凡高、蒙克、席勒、夏加尔等开辟了一条表现和抒情的途径。但是,上世纪八九十年代中国油画中的乡土主义和表现主义则是基于一种社会意识形态和挪用的概念以至于难于展示其抒情的特质。因此,要在中国绘画艺术中将抒情作为一个专题进行讨论,将是令人促迫的一个难题。

我们继续上路.到达了那片著名的麦田,其实这片和中国的麦田并无什么分别,一样的辽阔.只是因为那幅著名的画.凡高37岁那年的7月,在画完《麦田群鸦》之后,他就站在这里用子弹结束了自己的生命. 他用一把左轮手枪压在自己的腹部,扣动了扳机。可是并没有立刻死去,鲜血染红了这片麦田.乌鸦掠过. 那一年的麦田一定是十分的美丽,一如现在.总是想象不出那个阳光灿烂的下午,那个邻居们再也无法忍受的男人,是怀着怎样的勇气来结束自己潦倒的一生,他没有立刻死去,在他弟弟的怀里痛苦挣扎了一个晚上才死去。那个曾经原谅了人们对他的憎恨,并一直坚信自己终究有一天会被理解的天才。他的心里是什么样的一种信念? 当他最后的朋友离他而去,而他清醒的时刻越来越少的时候,那一刻,他在想什么呢?他终于坚持不下去了.无法不被爱地苟活下去,他无法眼睁睁的,看着他那么热爱的是生活一步步陷入一片混沌疯狂之中,所以他选择了绝觉地离去.这也许就是他打动我们每一个人的地方。一个深刻的知道自己是不被爱的人,却依然渴望着沟通和爱的孤独灵魂。一个被朋友,亲人,爱人所轻视和鄙视的人,却依然热爱着生活。所以他的画才有那样的光波流泻的星空,那样的撒满阳光的花朵。也才有那样的另人心酸的孤独,那样的震人心扉的苦难。它们就这样被搅碎了,揉进这个丑陋男人心灵中,那是无人理解的悲哀,画布上的斑驳是他的渴望爱的倾诉,那些永远不会被理解的倾诉。在他死后,印象派忽然大受推崇,给予了无上的荣光.他仍被视为疯癫的,然而人们却爱了他的疯癫了。并且给了他一生终其所有想得到的一点点承认和肯定,甚至比他想要的多的多的多的爱,这真是一个莫大的讽刺。我常常和朋友讨论生命的意义,,看那星空,看那麦田,看那太阳花,那群削土豆的农民,还有那个缺了一只耳朵的男人。我忽然觉得自己的渺小,但生命依旧是短暂而宝贵的,因为我们还活着,所以我们要快乐的活着,看着身边欢呼雀跃的伙伴们,不由心动.一行人在麦田逗留了一下,就到达了凡高的墓地.很简单的墓地,并排两个他和他的弟弟.这个时候天空开始下雨,似乎也觉得悲哀.有人给他的坟墓献花,有人细心地捡起掉下的麦穗.他一定不会知道,他死了之后,会有这样川流不息的人来朝拜谈论他他. 人们谈论着画中的梵高,书中的梵高。仿佛他们都是懂得他的人。然而,这个一生不曾被除了弟弟提奥以外第二个人爱的男人,不被爱才是他的永恒. 自杀者总是被叹息或者被指责为不负责任的。但是没有人指责他,他已经太痛苦了,让他的灵魂得到安息吧。他生下来。他画画。他死去。麦田里一片金黄,一群乌鸦惊叫着飞过天空。——波得莱尔离开那片麦田的时候,一个法国老太头告诉我们,在这片麦田里面摘七只麦穗捆起来,扎好,是幸运的意思,这是当地的一种说法.而且晚上还有晚会,人们会穿着传统服饰.我们很虔诚地摘下七束麦穗.握在手里,闻起来似乎还有清香.好像和平的橄榄枝.然后经过他画的那个教堂,里面很安静,但是也很简单,接下来路过是凡高故居,但是已经变的非常商业化.在准备疾走前,在一个hotel de ville 我们看见还有新人结婚,穿着传统服饰,真的好贵族,而且在这里拍了合照.继续往前走穿越了森林,无意间发现一片金色的麦田.开阔小麦田里铺了无尽的金光,又折回深蓝的天空,和煦的暖风吹过,我们被燃烧的原野迷住了.真的很值得一看的风景.白云静止,大路朝天,风倒挂其上,似已多年。世界在悄悄地改变他的色彩,而我们这些生动的人,正用不慌不忙的色板,不留痕迹地涂抹命运的花园。 我们在麦田里面逗留了很久.自然拍了很多的照片,那成熟的麦穗,沉甸甸的,有着温暖的触感,丰收的感觉.而我们一行人或者在独处时沉思,沉思成一首首伤感温柔的易安词,沉思成一段段水声潺潺的夜曲;或者我们在舒坦自然中相处,演绎出一首首嘻笑怒骂的绝句,倾泻出一阵阵从心所欲的疾风骤雨。我们在雨里打听阳光的踪迹,又在晴朗里面,怀念微雨的叹息。虽然已经是夏天,但是仍然是一派春光明媚的景色,真的很是赏心悦目.还是沿途的一个湖畔,让人觉得巴黎最美丽的地方不在城市,而是在郊区。河边有两只大白鹅,悠闲自在。这个时候已经满疲倦了,我想,也许我们不再相见,也许还有新的交集,只要想起时候,可以明媚的微笑。足够。最后附上这首vincent

  1970-1978年间

1.维托雷卡尔巴乔《在里亚尔托治愈的着魔的人》

一般说来,绘画的目的在于创造一个经久的视觉图象,并且使这个图象达到符号化般恒定的意义。由此,绘画艺术滋养了无数的概念和形式主义者。今天,中国在经历了80、90年代的意识形态的解放和女性意识的觉醒之后,大的环境给艺术家提供了一个更加开放的环境。由此,郝丽得以将个人生活状态的直接陈诉来表现城乡差异给人们心理以及生活带来的巨大冲击导致的心理失衡与困惑。她精疲力尽地用画笔抽打着画布,直接本色的表达使她的绘画语言完全摆脱了东方人学习油画模仿西方大师的痕迹。尽管这种语言的基本词汇依然来自西方的传统体系。在很长一段时间,她确实曾大量地研究中外大师和名家的作品,特别是现代西方大师的作品。模仿的道路对于情郁于中的她异常艰难。我们从她早期的作品中虽然可以看到莫迪里阿尼、夏加尔、博纳尔甚至德尔沃的影响。但是,对于表达的迫切需求使她很快摆脱了这些影响。生活的压力迫使她将绘画的触觉延伸直至跨过图式的对岸而进入抒情的原野,作为一个抒情画家和城市边缘女性,她抛开了所有的概念和图式的羁绊,以奔放的激情渲泄对生命的感悟,并且尽力使这种抒情语言从今日生活这个更大的背景中凸现明朗出来。正如凡高所说厄运助成功一臂之力,生活逼使她疯狂地创作,一个庞大的数量、一个独特的生活经历和背景、一种独立的生活姿态、一个强烈的成功的欲念,如此等等成就了她。那些所谓民族、地域、意识形态的东西,只是潜藏在意识的最底层起一个基本支撑的作用。生活,才是构成外在形式的主要因素。如此艺术对于生活则成为一种慰籍。绘画则处于接近描摹和叙述的危险之中。生活让她无法停步去经历许多的精彩的人生故事,并把这故事陈述出来,但她并不仅仅止于陈述,而是用诗性的思索去表达。

Starry, starry nightPaint your palette blue and grayLook out on a summer's dayWith eyes that know the darkness in my soulShadows on the hillsSketch the trees and the daffodilsCatch the breeze and the winter chillsIn colors on the snowy linen landChorus:Now I understandWhat you tried to say to meHow you suffered for your sanityHow you tried to set them freeThey would not listen they did not howPerhaps they'll listen nowStarry, starry nightFlaming flowers that brightly blazeSwirling clouds in violet hazeReflect in Vincent's eyes of china blueColors changing hueMorning fields of amber grainWeathered faces lined in painAre soothed beneath the artist's loving hand

  凡高不能满足于画布上的创作

维托雷卡尔巴乔,意大利画家,威尼斯画派,承师于维瓦利尼和贝里尼。

这也许是她的作品接近绘画本源的原因。

  薇拉也厌烦世俗生活

这幅表现15世纪威尼斯日常生活的画作足以显示在中世纪精神病是如何被理解与看待的。这幅画有时被称作《疗愈的疯子》,但是着魔的则更贴近现代人的说法。在里尔托亚桥边,一个被恶魔附体的男人奇迹般的被人群中的一位shenfu拯救。他所受的苦难的并非医学或社会问题,而是一种宗教体验。

这个过程对于她并不是如今天这样清晰明了,实际上对于心灵所体味的黑暗和苦涩要长久得多。历史和生命看似都具有偶然性,然而画布上的故事和诗情却具有必然的结果。

  抛弃了明星明模高贵身价

2.马蒂亚斯格鲁尼沃尔德《圣安东尼的诱惑》

她出生在距革命圣地西柏坡仅数十公里的一个四面大山的小村庄。上世纪四十年代,爷爷作为首批南下干部离开家乡之后,奶奶生下父亲就去世了。因为曾祖父母和奶奶相继去世,爷爷在他的一生中就很少回到家乡。父亲作为革命后代由政府提供抚养金活了下来,并且一直生活在山里成为一个农民。

  宁愿美丽做残酷的改变

中世纪晚期的艺术家都着迷于早期基督教隐士圣安东尼受魔鬼诱惑的故事。对于格鲁尼沃尔德的来说,一人的理智受到威胁成为他本人心理上最大的威胁。可怕的恶魔形象仿佛造就了畸形的思想。这是一幅带有慈悲情怀的画作,因为这是为一家精神病院医院的创作的,上图只是伊森海姆祭坛屏风的一部分。其中一个魔鬼皮肤发灰,全身溃烂,这些症状在祭坛屏风的其他形象和医院的病人身上也有发生。那么,这些可怕的场景是否影射了因身体的极度病痛而产生的心理问题呢?这幅作品影响了后世的德国表现主义艺术,时至今日,依然是一幅关于精神问题的杰作。

郝丽在十三岁那年走出大山。在城里,她做过很多工作。我们无法体味一个十三四岁的女孩独自为活着这么一个目标而奋斗时生活所施加给她的重负。

  霍格尔他们一同舍弃

3.阿尔布雷特丢勒《忧郁症》

从来到城市的那一夜起,我就学会了沉默

  一同造创生命的异彩

约翰韦尔利克斯,继阿尔布雷特丢勒之后,将该画刻于纸上,苏格兰国家艺术馆收藏

郝丽如此描述她在城市十多年生活的态度。

  疯狂的迅跑着

在现在看来,这幅意义深远的作品是既对精神病态的肯定也是庆祝。早在中世纪,忧郁症就已被人们熟知和体验,人们认为这是一种因为体内分泌失调而形成的阴暗心理。丢勒将这种阴郁的情绪表现在了他笔下的人物上。由于被失落的情绪笼罩,她无法继续创作。从她身边的工具可知,她是一个数学家、几何学家和一个建筑师--一位文艺复兴时期的天才。丢勒通过作品表现了他的内心世界的苦闷和精神世界中的纠结。但在丢勒看来,忧郁是天才的象征--这种跌倒谷底的绝望正式渴望求知与创作的表现。对于丢勒来说,不幸即高贵。这幅画作可被视为是当代心理学的开端。

她如此固执地要走自己的路。当生活极其黯淡的岁月,正是生命灿烂闪耀的时候。从十三岁的小女孩到十九岁的大姑娘,五年的时光里,她在寂寞和劳碌中培育了一个朦胧的理想。十九岁那年,她离开省城石家庄到了北京,一边谋生一边学习绘画。她开始用色彩表现她的生活。那些暗淡的色彩、极富情感的造型,感动了许多人。许多行家给予她指点和鼓励。

  脱离人生的常轨

4.威廉姆霍加斯《疯人院中的浪子》

我们从郝丽前期的画中看出,教育别人给予的技术指导几乎没有留下痕迹,而仅仅是鼓励就足以使她在绘画艺术这条路上大步前进。

  宁可割断自己向日葵头频

对于伦敦贝斯莱姆医院的创始人来说,丢勒对精神忧郁是人类正常生活的一部分这一理解简直是无稽之谈,更不用说莎士比亚和塞万提斯的看法了。这家臭名昭著的疯人院成立于中世纪,并早在14事迹就开始治疗与精神病相关的问题。18世纪,霍加斯刻画了一个年轻的小伙子因赌博和奢靡而最终被关进贝斯莱姆,那时那个地方可被视为伦敦的疯子集中营。霍加斯刻画出两个理智的女人享受疯狂的场景,也包括一些想象自己是国王和主教的人。当然,在霍加斯眼里,理智与疯狂的界限并不明确。

一度作为中央美术学院版画系的学生,也并没有使她成为一个学院派。

  他们悟道

5.弗朗西斯科戈雅卢西恩特斯《睡梦中的理智催生魔鬼》

环境的改变并不意味着生活就好了起来,贫困和孤独更甚于往日。然而绘画上的表达使她即使饥餐风雪也欣喜畅怀。

  创造艺术和生命的价值

《睡梦中的理智催生魔鬼》在圣彼得堡,冬宫作品集中发现。

若干年前,一个寒冷冬夜的小煤炉旁,她倒在冰冷的地上,脑子艰难而迟钝地思考着一个问题:我是煤气中毒了吗?是不是太累了?我还能活着站起来吗......?当炉火熄灭,她从昏睡中醒来。继续的生命迫使她面对画作也思考着一串问题:这是我的画吗?我能以这种方式存在吗?那里有我......?她如此对生命和艺术发出一连串的追问,这种追问实际上表明了她生活的孤独和内心的自卑与自恋。既然世界之大而冷漠,个人之小而无助,于是她只能回到斗室之中反观自身。我在成为她人生思考和艺术创作的主题,因此,她把体味了切肤之痛的生活的全部身心融进作品之中。自我的形象占据了她大部分的创作主题,这些主题包含了对人生的迷茫和感悟、对爱的呼唤与渴望、甚至恐慌、坠落与升华。

  就必须首先创造生命的本身

戈雅描绘了一个沉睡的艺术家,在睡梦中被恶魔纠缠,表现了在在18世纪那场试图改变世界百科、科学以及工业模式的启蒙运动的后期,理智的脆弱不堪。戈雅既悲观又仁慈的认为,理智只是我们精神世界的一部分,它必须同世界上的黑暗面共存。在现代时代的初期,这幅伟大作品的是古老的圣安东尼的诱惑的回响,毕竟这古老的纠缠并未消失。

多年的艰辛使她坚定了绘画的道路,因为那可能是她唯一获得自足和希望的努力。因为生活缺少温暖,所以她在画中用温暖的色调烘烤生活;因为生活中缺少爱,所以她在画中用爱来点缀生命;因为生活过于沉重,所以她用飞舞的笔触让生命欢腾。

  于是

6.泰奥多尔席里柯《疯人肖像》

油画《沧桑的老人》是她创作生涯的一次飞跃。画中虽然没有作者自己的形象出现,然而画面暗示的心理的自传性质是显而易见的。拖泥带水的画笔搅和着粘稠的颜料,画面形成了变化丰富的色阶。由褐色、暗红、土黄、灰紫等色调形成的颤动的笔触,在在显示了岁月在老人心中写下的沧桑和生命在生活的重压下展示的顽强与疲惫。画面强烈的形式感及和谐内涵,让我们窥见了作者勃勃的野心。

  他们用忧郁和绝望

这是一个沉溺于赌博的女人,《疯人肖像》,让-路易斯泰奥多尔席里柯作。

由此我们是否应该透过画布看到背后的欲望。事实上,对于今天的普通观众这几乎变得不可能。当代文艺批评只重视文本而轻视作者的倾向也使艺术家对个人生活讳莫如深,甚至也影响到艺术家和艺术作品产生了巨大的分离艺术其实与个人无关。从威尼斯双年展、卡塞尔文献展、世界各大城市的国际性展览以及国内的一些艺术活动,几乎都是对社会问题、文化观念、种族和性别差异等概念性的诠释,艺术家的身份发生了位移,显示了向公共事业和哲学领域的渗透。当代艺术更多的是一个关于资本、意识和艺术家的共谋。但是,面对郝丽的作品,面对画面上一个个鲜活的男人和女人,她们或相拥而立、或翘首以盼、或情意缱绻、或如泣如怨。从《一封情书》《今夜我不想说话》《女人的尺度》等作品中,我们可以看到爱实际上是困扰着郝丽的一个问题,因为画面中那个空虚等待的女人似乎有一个破碎的梦,这是一个城市漂移者的梦,她的期待的移往别处的眼神说明甚至那梦更为空虚。由于画中人多半都关注着画面外,仿佛都要从画中直接走出来并与观者发生对话。一个观者实际上已经站到了事件之中,城市与农村、主流与边缘、爱与无爱、期待与被期待同时在场,问题仅仅在于你能否对事件提出自己的判断。双方的关系实际上由疏离变成了在场者。即观者通过画中人认识画中事件并与此事件产生关联,由此进而深入作者的内心并与作者产生共识。这是否就是艺术的本意,或者说艺术品就是艺术家所设置的一个圈套或者游戏。当观者进入画中事件作者就达到了她释放感情的目的。因为她在或孤独或紧张或出于某种原因逃出某个事件的时候开始了她的创作,创作则是为了诗意地陈述。比如,一个更年期的女人喋喋不休的唠叨是为了释放她潜在的焦虑,那么艺术家的创作是否也有此倾向呢?面对画布,作者实际上置身于一个情景之中。比如,一个爱的思恋的情景。郝丽的作品中不乏这样的主题。在画布上,这个思恋显然是空虚的,因为她的目光向着画面之外,所以她必须等到一个入场者。这是否就是画中人潜在的焦虑与期盼。一幅画在没有等到这个入场者的时候,作品显然是没有完成的。因为这个期盼未能圆满,虚空中的焦虑还在沉睡而不是获得释放。正如一本书,如果没有等到读者,那么书中的故事就永远都是沉睡而不会在读者的思维中获得演绎。显然,面对郝丽的画面,一个敏锐的观者会是一个积极的入场者,因为那是爱与诗的事件。所以郝丽的画在此给我们打开了一个新的视窗,绘画不仅仅是一个图像的制造或者一个概念的诠释,而且更有可能是充满爱意和温情脉脉的诗与思的经验。

  唤起希望和生命的真谛

在浪漫主义时期,内心与精神世界的极端痛苦都转化成了诗歌与艺术。这种内省的情绪让人们从一个全新的精神视角来欣赏的席里柯疯人肖像。席里柯创作了十幅同一主题肖像,现存的仅剩五幅,所有的模特都来自于他的朋友埃缇尼-让乔杰特医生的病人。在上面这幅画作中,这位女性的内伤情绪十分明显,而席里柯也表现出了对她的尊重与同情。作为一个经常刻画死亡与暴力的画家,席里柯不顾世俗的眼光和评判,将精神疾病刻画成人性中的一部分,他本人显然有着深刻体会。

关于爱的主题,从人类自有艺术创造以来,她就成为艺术家的首选。

  他们无视人擅长生存方式

7.居斯塔夫库尔贝《自画像》

在思想停止的地方才产生爱。(印度.克里希那穆提)

  从诱惑中蜕变到大自然中去

这幅《绝望的男人》是法国画家居斯塔夫库尔贝的作品,现藏于德国法兰克福席尔恩艺术中心。

爱的飞翔产生了诗。诗意是人类对生命中未可捕捉事物的期待,是对现实的绕道而行,是思的梦境。

  不惜成为怪石岩浆

在那个浪漫而狂喜的瞬间,库尔贝声称自己是个疯子,他的面庞上既有狂喜又有恐惧。他这种绝望的精神状态并非可耻的病态,而是艺术家的骄傲。丢勒的传统观点在浪漫主义时期爆发出了cinderella力量,库贝尔在天才与疯子间画了等号。即使与酗酒、吸毒等病痛息息相关,这种绝望的面庞仍是19世纪先锋的象征。库尔贝看起来像是德加艾伦坡故事中的一个角色,从某种程度上说,他的思想解放了第一批着迷的现代艺术家。

在郝丽的那些表现情爱的版画中似带着生命的温暖,如同一首首古老的情歌,以一种舒缓而醇厚的旋律牵动我们这些孤独、冰冷和僵硬的灵魂驻足倾听。象诗经《国风》所吟咏的那样。同时,在这些版画中,我们看到艺术如何在今天这个浮躁的时代步履蹒跚地绕过机械和概念的暗礁,直指生命最原汁和迷人的意象。

  枯树铁门和木窗

8.文森特凡高《割耳后的自画像》

《诗经》之《蒹葭》如此吟咏到:

澳门新葡新京网址,澳门新葡新京888882,澳门新葡新京网上导航,澳门新葡新京免费试玩